I moderni mosaici di MNMVenezia

Michela Nardin ha iniziato la sua carriera di artista prolifica a Roma e a Venezia, perseguendo l'arte in varie forme, attratta da tecniche non convenzionali ed elargite. Trasferitasi definitivamente a Venezia oltre 24 anni fa, si è innamorata delle antiche tradizioni della città, tra cui la manifattura del vetro e del mosaico, rinomata in tutto il mondo: entrando in contatto con i maestri artigiani, ha perfezionato le sue conoscenze artistiche e ha iniziato a produrre autentiche collezioni di mosaici ispirate alle sue molteplici passioni e influenze. Dagli autoritratti contemporanei, ai classici motivi a piastrelle e ai giochi di colore geometrici, le sue opere sono splendidi esempi di narrazione romantica e di un gusto personale unico.

Scoprite nella nostra intervista come Michela ha iniziato la sua attività di artigiana, cosa ispira e dà forma alle sue collezioni e l'intricato processo di produzione di ogni suo pezzo.

Perché ha scelto il mosaico come mezzo per esprimere la sua arte?

Cinque anni fa, in modo del tutto inaspettato, ho ricevuto la proposta da parte di vetrerie e gallerie d'arte di Venezia e Murano di realizzare, su commissione, riproduzioni in mosaico di opere di grandi artisti. Ho visto questa offerta come un'opportunità per iniziare una nuova avventura in campo artistico, dal momento che le mie precedenti esperienze riguardavano altre discipline, in particolare il restauro murario (dipinti murali, affreschi e stucchi), e prima ancora l'Accademia di Belle Arti di Venezia con un Master in Stampa. Da giovane ho avuto una breve esperienza nella bottega di Olimpia Biasi, un'artista della mia città natale, Treviso, dove ho trascorso i pomeriggi a imparare e sperimentare diverse tecniche pittoriche. È lì che ho realizzato i miei primi mosaici con frammenti di ceramica, utilizzando diversi materiali.

Il mio lavoro mi ha portato a viaggiare molto sul territorio italiano, scoprendo e sperimentando in prima persona diversi stili artistici, ognuno legato a luoghi, tradizioni e a un preciso momento storico e culturale. Credo che con l'arte non si smetta mai di imparare e, ramificando le mie esperienze, ho avuto la possibilità di sviluppare un approccio eclettico alle discipline apprese. Da lì è nata l'opportunità e la possibilità di riassumere ciò che avevo imparato nel corso degli anni e impiegarlo in una nuova forma di espressione artistica.

Ilsuo laboratorio si trova a Venezia. In che modo questa città unica ha influenzato il suo lavoro?

In linea con quanto ho appena detto, sono consapevole che ogni produzione artistica è profondamente influenzata dal luogo in cui viene creata. Venezia, per me, rappresenta la Materia: vetro, stucco, legno. Certamente il vetro non poteva essere escluso da questo processo creativo: unico nella sua lavorazione, completamente fatto a mano e mutevole, poiché dipende dalla temperatura e dall'abilità dei maestri soffiatori che lo modellano. Lo stesso si può dire dei gessi naturali: I pastelloni veneziani, un'antica tecnica veneziana realizzata con polveri di calce e marmo che, a seconda dell'impasto, può dare molteplici risultati. Sabbia, ossidi, polveri, pietre, fuoco e sapienza artigianale: ingredienti semplici e basilari, capaci di dare risultati incredibili. Questo è ciò che mi piace del mio lavoro.

Per i suoi mosaici utilizza pregiate tessere di vetro. Può raccontarci le fasi principali della creazione dei suoi pezzi?

Ho iniziato il mio personale percorso artistico creando piccole collezioni ispirate a temi che mi appassionano. Rappresentano brevi esplorazioni del "femminile", delle arti e omaggi a opere di grandi artisti. Storie raccontate attraverso il vetro. Ogni pezzo che creo ha una sua storia, è come un incontro, e molto spesso storie e pezzi sono interconnessi, così come la ricerca e l'approfondimento delle tecniche, mentre mantengo sempre uno sguardo curioso e il desiderio di raccontare la storia con il mio linguaggio.

Cosa rende i suoi mosaici davvero unici?

Ho sempre cercato di adattare la tecnica al soggetto, uscendo dagli schemi dettati dalle tecniche classiche che vincolano il processo compositivo artistico. Per esempio, evocare un'immagine grafica o pittorica, un tessuto o un affresco tagliando e disponendo le tessere in pasta di vetro in modo da sfruttare la lucentezza o l'opacità del materiale, e ricercare nuove dinamiche compositive semplicemente accostando materiali diversi, come il vetro e il gesso.

Per quanto riguarda le dimensioni, l'idea è quella di potersi concedere qualcosa di prezioso ma piccolo, che non modifichi in modo permanente l'arredamento di una casa ma lo valorizzi, che sia versatile e facilmente spostabile, poiché le sue dimensioni standard (20x20 cm) permettono interessanti composizioni modulari.

Lasua produzione consiste in piccole collezioni di pezzi unici. Da dove trae ispirazione per crearli?

Il tema è il punto di partenza di tutto. L'ispirazione si dirama in percorsi diversi a seconda del progetto. Inizio la mia ricerca esaminando il lavoro di artisti che hanno interpretato lo stesso soggetto prima di me, li confronto e creo dei collegamenti. È un incontro tra maestri d'arte.

Il desiderio è quello di rappresentare le città italiane attraverso quegli elementi artistici che le identificano, non necessariamente di fare una mera copia di un mosaico. Prendo in prestito gli affreschi di Treviso, i tessuti di Fortuny di Venezia, e così via. Sono partito da luoghi a cui sono affezionato, ma il progetto è molto più ampio e mira a delineare una vera e propria mappa degli elementi artistici italiani, in modo da descrivere i luoghi, creare nuove connessioni e renderli mobili.

Le sculture in legno, invece, nascono dall'esigenza di non pervertire il materiale, ma di lasciarlo libero nella sua espressione. Tutti i pezzi di legno selezionati vengono semplicemente puliti e lucidati con cera microcristallina. Il vetro viene inserito nelle fessure del legno e assume la forma del materiale organico (il legno), che suggerisce il risultato finale. La composizione è informata da ogni forma e realizzata attraverso il colore. A volte accade che si trasformi, come nel caso della Wood Lamp, mentre in altri casi si evolve per emergere dalla profondità della fessura, creando effetti affascinanti sempre diversi.

È spesso una questione di pratica: gli stessi elementi possono offrire risultati molteplici e diversi, ciò che cambia è lo sguardo e l'interpretazione dell'osservatore.