Zeitlose Inneneinrichtung von Studio 502

Von seinem Sitz in London aus entwirft das Studio 502 mit Bedacht kuratierte Innenräume, die Handwerkskunst und künstlerische Zusammenarbeit zelebrieren. Das 2022 von Andrea Yateem gegründete und 2023 von der Architektin Jovana Boskovic übernommene Studio schafft Räume, die durch ihr Design bedeutungsvolle Geschichten erzählen. Im Kern glaubt das Studio an die Kraft gut gestalteter Räume zur Steigerung des Wohlbefindens. Sein Ansatz zelebriert das Zusammenspiel von Farbe, Licht und sorgfältig ausgewählten Elementen, wobei jedes Teil einen Zweck erfüllt und jede Ecke zum Entdecken einlädt.

Das Studio arbeitet eng mit Kunsthandwerkern und Handwerkern zusammen, die sein Engagement für Authentizität teilen und frische und zeitlose Umgebungen schaffen. Andrea Yateems Weg zum Innendesign wurde durch ihren Hintergrund in der Modebranche und ihre jahrelangen Kontakte zu Kunsthandwerkern in Südamerika, dem Balkan, Europa und dem Nahen Osten geprägt. Diese Erfahrungen, kombiniert mit ihrem Studium an der Londoner KLC School of Design, prägen den unverwechselbaren Ansatz von Studio 502 - einen Ansatz, der globale Handwerkskunst mit zeitgenössischem Wohnen verbindet.

Wie sind Sie zum ersten Mal in die Welt des Designs gekommen?
Mein Weg zur Innenarchitektur war organisch und wurde durch meine weltweiten Erfahrungen stark beeinflusst. Nachdem ich ein erfolgreiches Modeunternehmen aufgebaut hatte, interessierte ich mich zunehmend dafür, wie Räume die menschliche Erfahrung prägen. Die Arbeit mit Einzelhandelsumgebungen brachte eine tiefere Berufung zum Vorschein - bedeutungsvolle Innenräume zu schaffen, die Geschichten erzählen. Auf meinen Reisen durch Südamerika, den Balkan, Europa und den Nahen Osten lernte ich bemerkenswerte Kunsthandwerker und ihre traditionellen Techniken kennen, was mich schließlich dazu veranlasste, zur Schule zurückzukehren und an der Londoner KLC School of Design zu studieren. Diese vielfältigen Einflüsse fließen nun in den Ansatz von Studio 502 ein, Räume zu schaffen, die handwerkliches Können ehren und gleichzeitig zeitgenössisches Wohnen ermöglichen.

Was ist für Sie der wichtigste Aspekt bei der Gestaltung eines Raums?

Das Verständnis für das menschliche Element ist von größter Bedeutung. Egal, ob wir an Wohn- oder Geschäftsprojekten arbeiten, wir beginnen damit, genau zu verstehen, wer den Raum bewohnen wird und wie er mit ihm interagiert. Unser Designprozess beginnt immer mit dem Zuhören - unseren Kunden, dem Raum selbst und seinem Kontext. Jede Entscheidung wird von dort aus getroffen. Ich habe das Glück, mit einem außergewöhnlichen Designteam zusammenzuarbeiten, und unser gemeinschaftlicher Ansatz stellt sicher, dass jedes Projekt von unterschiedlichen Perspektiven und Fachkenntnissen profitiert. Wir sind davon überzeugt, dass die besten Entwürfe durch einen durchdachten Dialog und eine gemeinsame Vision entstehen.

Vor welchen Herausforderungen standen Sie während des Entwurfsprozesses?
Unsere Arbeit am Restaurant Mokosh in der Villa Tončić in Split, Kroatien, veranschaulicht perfekt das heikle Gleichgewicht zwischen der Würdigung des kulturellen Erbes und der Schaffung zeitgenössischer Relevanz. Da es sich um ein denkmalgeschütztes Gebäude handelt, sahen wir uns mit erheblichen Einschränkungen konfrontiert - der zentrale Raum und die Wände des blauen Zimmers durften im Wesentlichen nicht angetastet werden. Diese Herausforderung führte jedoch zu einer inspirierenden Lösung. Wir ließen uns von dem ursprünglichen Architekten Kamilo Tončić inspirieren, der 1922 mit Studenten der Angewandten Künste zusammenarbeitete, um die Innen- und Außenräume zu gestalten. In Anlehnung an seinen kollaborativen Geist haben wir uns mit regionalen Künstlern zusammengetan, um einen Raum zu schaffen, der Tončićs Erbe auf spielerische Weise respektiert und gleichzeitig frische Energie in diese historischen Räume bringt.

Wie würden Sie Ihren eigenen Stil definieren?
Ich fühle mich stark von den Prinzipien der Jahrhundertmitte angezogen - nicht nur wegen ihrer Ästhetik, sondern wegen ihrer grundlegenden Werte. Diese Bewegung setzte sich für ein perfektes Gleichgewicht von Form und Funktion ein, zelebrierte klare Linien und organische Formen und betonte gleichzeitig den menschlichen Komfort und die Zugänglichkeit. Am meisten beeindruckt, wie sie Wärme und Funktionalität miteinander verbindet und so anspruchsvolle und einladende Räume schafft. Diese Prinzipien leiten unsere Arbeit im Studio 502, obwohl wir sie immer an den einzigartigen Kontext eines jeden Projekts anpassen.

Warum sollten Architekten und Innenarchitekten Stücke italienischer Handwerkskunst in ihre Projekte einbeziehen?
Italienische Handwerkskunst steht für eine ungebrochene Tradition der Exzellenz, die das globale Designempfinden geprägt hat. Es geht nicht nur um ästhetische Schönheit - es geht um eine Herangehensweise an die Gestaltung, bei der Qualität, Langlebigkeit und zeitlose Eleganz im Vordergrund stehen. In den in Italien gefertigten Stücken stecken Jahrhunderte verfeinerter Technik und Innovation, was sie nicht nur zu Möbeln oder Gegenständen, sondern zu Investitionen in dauerhafte Qualität macht. Sie bringen Authentizität und Raffinesse in jeden Raum und überdauern die Zeit.

Wie schaffen Sie bei Ihren Projekten ein Gleichgewicht zwischen Ästhetik und Funktionalität?
Dieses Gleichgewicht ist das Herzstück eines erfolgreichen Designs. Wir glauben, dass wahre Schönheit entsteht, wenn die Form der Funktion dient und gleichzeitig Persönlichkeit und Wärme bewahrt. Jedes Projekt ist ein einzigartiger Balanceakt - manche Räume verlangen mehr Funktionalität, andere mehr Ausdruck. Durch die enge Zusammenarbeit mit unseren Kunden und unserem Team finden wir den Punkt, an dem praktische Bedürfnisse auf ästhetische Ambitionen treffen. Der Schlüssel liegt darin, sicherzustellen, dass die Schönheit niemals die Benutzerfreundlichkeit beeinträchtigt und die Funktion niemals den Charakter opfert.

Gibt es ein Traumprojekt, an dem Sie gerne arbeiten würden?
Meine jüngsten Reisen durch Südamerika haben mich tief bewegt, insbesondere die Begegnungen mit indigenen Gemeinschaften und ihren bemerkenswerten künstlerischen Traditionen. Mein Traumprojekt würde ihre außergewöhnliche Handwerkskunst in den Vordergrund stellen und diese bleibenden kulturellen Schätze würdigen. Diese Kunsthandwerker stellen Werke her, die tiefgründige Erzählungen der Vorfahren enthalten - Geschichten, die wertvolle Lektionen über Nachhaltigkeit, Gemeinschaft und unsere Verbindung zur natürlichen Welt vermitteln. Ich glaube, dass wir viel von diesen Traditionen lernen können, und es liegt mir am Herzen, Plattformen zu schaffen, die diese Praktiken bewahren, ihre heutige Relevanz feiern und die kontinuierliche künstlerische Entwicklung dieser Gemeinschaften unterstützen.